Le Musée Cham à Danang au Vietnam

Appelé Bao Tang Cham, ce musée fut crée, en 1915, par l’Ecole française d’Extrême-Orient. Il rassemble la plus belle collection de sculptures cham du monde et c’est bien entendu le lieu le plus intéressant de Danang. La plupart des quelque 300 objets en grès (autels, lingas, garudas, ganeshas et représentations de Shiva, Brahma et Vishnou) dégagent une rare beauté.

L’art Cham se divise en deux périodes distinctes. Avant le Xe siècle, il reflète surtout des sentiments et témoigne des contacts avec les peuples marins d’Indonésie. Du Xe au XIVe siècles, le royaume étant perpétuellement en guerre avec le Vietnam, l’art cham décline et subit l’influence de l’art khmer, plus formaliste.

Les objets exposés dans le musée datent du VIIe au XVe siècles. Ils ont été découverts à Dong Duong (Indrapura), Khuong My, My Son, Tra Kieu (Simhapura), Thap Mam (Binh Dinh) et d’autres sites de la province de Quang Nam-Danang.

Les salles portent le nom de la localité d’où proviennent les chefs-d’œuvre exposés. La représentation d’Uroja est un élément qui revient souvent dans l’art cham. Il s’agit de la « Mère du Pays » qui engendra les dynasties du Champa. Les tétons d’Uroja figurent fréquemment dans les sculptures Cham, de même que le linga, symbole phallique de Shiva, qui prit de l’importance lorsque le royaume du Champa entra en contact avec l’hindouisme. Dès le IVe siècle, les croyances religieuses des Cham s’ouvrirent au bouddhisme mahayana. L’architecture et la sculpture suivirent. En plus des éléments clairement indiens, l’art cham a assimilé des éléments javanais, khmers et Dai Viet (vietnamiens).

Les quatre scènes sculptées autour de l’autel de Tra Kieu (VIIe siècle), que l’on peut admirer au musée, retracent une partie de l’épopée du Ramayana, dans un style typique de l’art amaravati du sud de l’Inde.

A noter qu’un livret trilingue, rédigé par Tran Ky Phuong, le plus grand spécialiste vietnamien de la civilisation cham, donne un excellent aperçu de l’art cham et est en vente à l’entrée du Musée.    

Le musée Cham se visite tous les jours de 8h à 11h et de 13h à 17h.

Le Design et l'Artisanat traditionnel nippon

L'alliance de l'artisanat traditionnel japonais et du Design a été initiée par un érudit japonais nommé Soetsu Yanagi (1889-1961). En 1914, lors d'un voyage en Corée et dans les îles Okinawa, Soetsu Yanagi porte un œil neuf sur les objets du peuple. Il s'arrête ainsi devant une écope de bateau creusée dans la masse de bois et y perçoit la modernité, c'est une sorte de déclic pour lui.

Ce grand lettré se lance alors dans une collecte méticuleuse d'objets. Chaque objet doit être "naturel, sincère, sûr et simple" et révéler sa dimension spirituelle. La force qu'il dégage transcende le beau et le laid, le mouvent Mingei était né.

Penseur et homme d’action, Yanagi Soetsu milita ainsi toute sa vie pour la promotion des arts populaires. Il le fit par ses écrits, notamment avec la publication mensuelle Kogeï (qui signifie « artisanat »), par son enseignement, par des expositions. selon l’esprit et les techniques traditionnelles Mingei, il construisit ainsi, en 1936, le Nihon Mingeikan à Tokyo.

La pureté des lignes et la simplicité des formes convaincront rapidement l'occident et les designers japonais d'aujourd'hui n'ont rien perdus de l'esprit qui animait Soetsu Yanagi dans ses réalisations. Le Design japonais est aujourd'hui encore profondément inspiré de l'artisanat traditionnel nippon, il est est même la quintescence, l'expression la plus moderne et la plus fidèle.

Le laque thaïlandais

La Thaïlande produit des objets en laque de bonne qualité, dont beaucoup sont fabriqués au Myanmar et vendus le long du nord de la frontière birmane notamment dans les villes de Mae Sot, Mae Sari et Mae Sai. Les objets en laque que l'on trouve aujourd'hui en Thaïlande s'inspirent d'un art qui remonte au XIème siècle, originaire de Chiang Mai. En 1558, le roi birman Bayinnaung fit prisonnier un certain nombre d'artisans de Chiang Mai et les contraignit à se rendre à Bago, dans le centre du Myanmar, pour y établir l'art du laque ciselé.

La couche de laque est préparée avec la résine d'un arbre, le Melanorrhea usitata qui, sous sa forme la plus rustique, est mélangée à de la cendre d'enveloppes de riz afin d'obtenir un revêtement léger, souple, imperméable dont on recouvre les armatures en bambou. Pour fabriquer un objet en laque, l'artisan commence par façonner un cadre en bambou, que l'on couvrira directement de laque si c'est un objet ordinaire. Mais pour un objet de première qualité, on revêt l'armature en bambou de poils de cheval ou d'âne. Vient ensuite l'étape du vernis, la laque que l'on laisse sécher plusieurs jours. Une fois sèche, la résine est frottée avec de la cendre de balles de riz, puis l'on applique une deuxième couche de laque. Les objets de premier choix peuvent compter jusqu'à sept couches de laque.

Le laque est gravé et peint, puis poli pour retirer la peinture débordant la gravure. Les laques multicolores sont obtenus par la répétition de ces trois étapes : gravure, peinture et polissage.

L'artisan doit compter de cinq à six mois pour produire un objet de première qualité pouvant montrer jusqu'à cinq coloris. La souplesse est l'une des caractéristiques d'un bon laque. Lorsqu'un bol est d'une qualité parfaite, on peut rapprocher les bords sans le casser. La précision et la finesse de la gravure jouent également un rôle important.

Bols, plateaux, assiettes, boîtes, tasses, vases et bien d'autres objets usuels peuvent être en laque. Certains meubles sont également très appréciés. Que ce soit un objet décoratif ou du mobilier, le laque thaïlandais apporte par sa seule présence dans une pièce une douce ambiance de sérénité et d'exotisme.

Les statuettes tibétaines

Les sculptures de bois, de pierre, d'argile ou de métal tibétaines sont des pièces d'artisanat de toute beauté qui conviennent parfaitement pour donner un style tibétain à une pièce.

La plupart des statuettes tibétaines sont des objets d'arts religieux représentant des dieux ou des personnages mythologiques. Les statuettes sculptées sur bois ou sur métal sont façonnées surtout dans les monastères ; celles du Potala et du monastère de Jokhang sont considérées comme des oeuvres de première qualité.

La sculpture de métal exige une technique complexe, mais les oeuvres sont d'une finesse extrême. La plupart des statuettes en métal tibétaines sont creuses. Les sculptures sur bois font elles parties de l'art traditionnel tibétain depuis toujours.

Les statues d'argile crue façonnées sur une armatures de bois ou maintenues en place contre un mur par des chevilles de bois sont nombreuses. Environ le tiers des matériaux employés dans les statues d'argile est constitué d'autres matières, surtout de papier. celui-ci permet de réduire le poids des sculptures. Les statuettes en argiles sont peintes de couleurs vives typiques du style tibétain. Elles sont assises sur des trônes de lotus. Une fois peints les visages des statues en argile diffère peu de ceux des statuettes en métal.

Dans la tradition religieuse, l’intérieur de la statuette contient des rouleaux manuscrits, des offrandes de genévrier, des graines d’orge ou de blé, et un petit mât en bois enveloppé de tissus, parfois les reliques d’un saint. Ce n'est bien sûr pas le cas des statuettes que vous trouverez dans le commerce.

La dorure des statuettes fait appel à des techniques complexes à base d'or et de mercure, mais la plupart des statuettes que l'on trouve aujourd'hui dans le commerce ne sont bien entendu pas à base du précieux métal.

Les statuettes tibétaines sont de vraies merveilles en décoration. Mises en évidence dans une pièce, elles focalisent l'attention du visiteur. Elles apportent une véritable présence dans une entrée, une chambre ou un salon.

La maison thaïlandaise des esprits

Décorer dans un style thaïlandais veut aussi dire embrasser une culture. La plupart des habitations et des immeubles ont leur maison des esprit, où résident les esprits du lieu, ou phra phuum. Sans cette sage précaution, les esprits risquent de vagabonder en votre compagnie dans la maison, et de vous causer toute sortes de problèmes.

Ces petites maisons ressemblent à un temple thaïlandais de la taille d'une cage à oiseaux montée sur un socle. C'est dans cette petite maison que vous laissez des offrandes quotidienne de fleurs, d'encens et de nourriture pour apaiser le ou les esprits qui vivent dans cette maison.

La maison des esprits doit être mise dans le jardin mais ne doit pas être couverte par l'ombre de la maison qu'elle protège. Son installation doit s'accompagner de cérémonies religieuses.

L'intérieur d'une maison des esprits est décoré de figurines en céramique ou en plastique, représentant les esprits gardiens de la propriété. Certaines maisons des esprits abritent aussi des figurines représentant la famille.

Si on déménage, il convient de déposer la maison au pied d'un banyan sacré (pas évident si vous êtes en France) ou dans un temple accueillant. La maison des esprits en plus de l'aspect décoratif de style thaïlandais qu'elle apporte à votre jardin, montre à vos visiteurs que vous êtes imprégné de la culture et des croyances de ce merveilleux pays.

L'Ikebana, l'art floral japonais

L'Ikebana (donner vie aux fleurs) ou kadô (Vois des fleurs) est un art du bouquet floral importé de Chine en même temps que le bouddhisme et qui existe au japon depuis le VIème siècle. Il est devenu au fil des siècles un art décoratif nippon à part entière.

Les origines de l'Ikebana sont donc religieuses. Les moines faisaient des offrandes à Bouddha sous la forme de bouquets de fleurs. Les bouquets exprimaient à leurs yeux l'harmonie entre l'homme et la nature.

Vers le Xème siècle l'aristocratie s'empare de l'ikebana pour en faire un art de divertissement en lui ajoutant une dimension d'esthétique et de beauté jusque là absente de la pratique des moines. Ce n'est qu'au XIIème siècle que cet art sera véritablement codifié avec la naissance du style Rikka défini par Senkei, premier maître d'ikebana. Le Rikka est caractérisé par un bouquet de forme triangulaire composé de sept lignes de charpente et comportant toujours un nombre impair de tiges, la plus haute symbolisant le ciel.

A la fin du XVIème siècle, la classe montante de marchands simplifie le style Rikka en Seika (ou Shôka) en réduisant à trois le nombre des tiges. Réalisés à l'occasion d’événements (mariages, fêtes de jeunes filles...) ou placés dans le tokonoma, alcôve présente dans toutes les maisons traditionnelles, les bouquets deviennent de plus en plus opulents et compliqués.

On assiste alors à un renversement esthétique qui prône un retour au sacré et à la simplicité. Sen no Rikyû, le célèbre maître de thé, aurait lancé ce mouvement à la demande du général Hideyoshi qui lui demandait de créer un bouquet différent de ce qui se faisait alors. Sen no Rikyû coupa quelques iris, les attacha à son poignard et lança le tout dans un seau, donnant à ce nouveau type d'arrangement le nom de "nageire" (littéralement jeté et introduit).

Il faudra attendre le XIXème siècle pour voir l'ikébana s'affranchir totalement de la religion. Le style Moribana (fleurs groupées) crée par Ôhara Unshin (1861-1914) utilise pour la première fois des fleurs venues d'occident.

Les écoles d'Ikebaba sont gérées par des iemoto (maisons ou écoles) dirigées par un grand maître héritier d'une tradition ancestrale. On dénombre au Japon pas moins de 3000 écoles différentes regroupant quelque 20 millions d'adeptes.

Un bouquet de ce type mis en valeur sur une commode ou un buffet, avec un vase japonais adapté, donne un style zen épuré à une pièce, notamment une chambre ou un salon.

Les émaux cloisonnés chinois

C'est sous la dynastie des Yuan (1276-1368), que les émaux cloisonnés, en provenance d'Arabie et de Byzance, furent introduits en Chine. Aucune pièce connue n'est cependant antérieure au XIVème siècle et les prémices de cet artisanat sont obscurs.

Les premiers cloisonnés chinois utilisaient généralement des émaux opaques ou semi-opaques, où dominait le bleu turquoise. Ils étaient appliqués sur une base en cuivre et séparés par des fils en bronze, martelés et soudés sur le support. Deux importantes modifications survinrent dans la seconde moitié du XVIIème siècle : on se mit à utiliser des fils en cuivre tirés qu'on fixa à la base par un adhésif végétal. Au schéma chromatique complexe de la dynastie Ming (associant parfois jusqu'à quatre pâtes différentes) se substitua, au début de la dynastie Qing, une palette plus sobre, peut-être sous l'influence des ateliers établis dans l'enceinte du Palais impérial, vers 1680.

On possède très peu de cloisonnés présentant la marque Kangxi et aucun ne portant celle de l'ère de Yongzheng. Cela rend la chronologie des premières pièces Qing incertaine, de même que la date d'introduction de l'émail rose. Il est cependant avéré que les empereurs Kangxi et Yongzheng encouragèrent cette production ; on pouvait encore, au début de ce siècle, voir dans plusieurs temples bouddhiques de Pékin les somptueuses garnitures d'autel qu'ils avaient offertes.

Quant à l'abondance production de l'ère Qianlong, elle se distingue par une facture de belle qualité et une palette spécifique dans laquelle entre notamment le rose. On réalisa à cette époque des pièces monumentales pour l'ameublement et le décor des palais : écrans, statues d’animaux notamment.

Un vase ou une statuette en émaux cloisonné véritable coûte une vraie fortune mais vous pouvez facilement trouver des réalisations récentes de moindre qualité certes mais qui seront du plus bel effet dans un buffet, une armoire vitrée ou une bibliothèque dans un salon. Les émaux cloisonnés sont un classique de l'artisanat chinois de décoration et peuvent aussi bien aller avec un style ancien que contemporain, ce qui explique leur succès aujourd'hui encore.  

Le mobilier d'une chambre Feng Shui

Après vous avoir expliqué comme placer un lit dans une chambre feng shui dans un précédent article, nous allons voir le reste de l'ameublement.

Si vous mettez un miroir dans la chambre il ne doit pas se trouvé en face du lit. En effet les Chinois pensent que l'âme quitte le corps pendant le sommeil et qu'elle sera désorientée si elle se voit dans le miroir. Une autre raison plus prosaïque, est que nous ne tenons pas à nous voir, hagard et échevelé, quand nous sortons du sommeil. Placez le miroir pour faire plutôt entrer une jolie vue dans votre chambre.

La chambre ne doit jamais devenir un espace de rangement ou un bureau et servir à d'autres activités que le sommeil et l'amour. Dans une grande maison, une penderie séparée serait idéale pour le rangement. Dans la plupart des chambres cependant, on trouve des armoires ou des placards avec tiroirs. Ceux-ci doivent offrir assez de place pour tous les vêtements et être bien rangés pour ouvrir et fermer facilement. Les vêtements qui traînent pendant des jours sur les chaises forment du désordre et pèsent psychologiquement sur notre esprit puisque nous devrons finir par les ranger.

Le placard qui relie des penderies situées de chaque côté du lit est à proscrire. Il agit comme une poutre et, de même que les flèches ou autre dais, il peut donner un sentiment de vulnérabilité à ceux qui sont en dessous.

Ne mettez pas de bibliothèque dans votre chambre, les livres, mentalement stimulants sont déconseillés dans une chambre feng shui car ils empêchent le sommeil.

Dernier point, l'équipement électrique (radio-réveil, téléphone ...) est à éviter dans une chambre car les ondes électromagnétiques nuisibles qu'il génère contrarient le sommeil des occupants de la pièce. Si vous décider de mettre tout de même des appareils électriques, ils devront se trouver à l'opposé du lit.

Réaliser soi-même son éventail géant mural

La décoration asiatique peut être ajouté à n'importe quelle pièce pour ajouter une touche moderne, exotique ou culturelle. L'éventail géant mural est un excellent accessoire décoratif pour donner à une pièce un style asiatique. Si vous ne souhaitez pas acheter ce type de produit dans une boutique, comme la notre par exemple, vous pouvez faire votre propre éventail géant mural, ce qui peut être un moyen facile et peu coûteux d'apporter un morceau d'Asie à votre décor.

Voici le matériel dont vous aurez besoin pour confectionner votre éventail asiatique géant :

_ 9 baguettes de bois d'au moins 1 mètre de longueur, 50 mm de largeur et 10/15 mm d'épaisseur
_ une tige en métal d'environ 15 cm de long
_ du tissu blanc/crème (ou une autre couleur selon vos goûts)
_ de la peinture acrylique violette et noire
_ de quoi découper le bois (scie ou scie sauteuse)
_ de quoi poncer le bois (lime à bois, ponceuse électrique)
_ des pinceaux
_ de quoi percer du bois (une perceuse)
_ un "pisto-colle" avec des bâtonnets de colle

Ensuite pour ce qui est de la confection, il faut commencer par découper les tiges de bois pour qu'elles aient toutes une longueur de 1 mètre grâce aux outils servant à découper le bois. Ensuite il faut les poncer sur 90/95 cm et laisser 5/10 cm à l'épaisseur d'origine. Ces parties plus épaisses serviront à rattacher les baguettes entre elles. Le ponçage servira à laisser un peu d'espace pour que le tissu lorsque vous replierez l'éventail.

Peindre le bout épais des baguettes en noir (pour éviter que ça se voit avec le tissu). Il faut ensuite percer les baguettes à environ 3/4cm du bord bas (le bord plus épais) et au milieu de préférence. Placer toutes les baguettes les unes derrières les autres pour passer la tige en métal afin de rattacher toutes les baguettes ensemble, en repliant les bouts en métal qui dépassent de chaque côté pour ne pas qu'elles se délogent.

Placer les baguettes ouvertes jusqu'à la taille maximum voulue et poser le tissu blanc par-dessus en laissant un peu de marge entre chaque baguette, dessiner le contour par dessus et découper le tissu blanc.

Coller le tissu aux baguettes grâce au pisto-colle et peindre les motifs (dragons, calligraphies, carpes koi ou encore cerisiers en fleurs sont des motifs classiques des éventails géants asiatiques chinois et japonais. Si vous souhaitez réaliser un éventail géant d'inspiration thaïlandaise, dessinez des animeaux ou des paysages, mais il faut avoir un certain talent).

Vous n'avez plus qu'à clouer au mur votre éventail géant et admirer votre oeuvre.

Les poupées japonaises Kokeshi

Les Kokeshi sont des poupées japonaises dont l'origine remonte à la période Edo (1600 - 1868), lorsque les kiji-shi, les artisans spécialisés dans le travail du bois, réalisèrent les premières de ces poupées à partir d’ustensiles de cuisine.

Traditionnellement les poupées Kokeshi sont fabriquées en bois de cerisier, de poirier ou d'érable qui doit être séchés de 1 à 5 ans pour être sculptable. Elles sont peintes à la main et décorées de fleurs. On passe ensuite une couche de laque pour faire durer la peinture et donner un aspect brillant. Elles mesure en moyenne entre 3 et 60 cm bien que l'on trouve des modèles géants de plus d'un mètre.

ces poupées qui représentaient autrefois des samouraïs, des personnages de contes, des moines et servaient de jouets pour les enfants des paysans. Ces poupées japonaises traditionnelles étaient constituées d’une tête et d’un corps cylindrique. Aujourd'hui encore cette tradition s'est maintenue. Il existe deux types de kokeshi :

La première est la dento kokeshi, la version traditionnelle qui est produite dans la région de Tohoku et qui respecte des formes et couleurs définies depuis plusieurs siècles. La seconde est la shingata kokeshi qui est une version moderne qui est apparue au début des années 5O et qui est principalement produite dans la région de Gumma. Les artistes ont une liberté totale quant au choix des formes et des couleurs. Ce sont aujourd'hui les modèles les plus appréciés car globalement plus travaillés, colorés et originaux.

Aujourd'hui la poupée Kokeshi représente principalement une petite fille mais il existe des modèles pour garçons. Elle symbolise le vœu et le désir d’avoir un enfant en bonne santé. Elle s'offre traditionnellement lors d'une naissance, d'un mariage ou lors de la fête des garçons (célébré le 5ème jour du 5ème mois) ou des filles (célébré le 3ème jour du 3ème mois). Elle est également aujourd'hui un excellent cadeau pour un anniversaire.

A chaque automne, un concours est organisé au Japon où les « maîtres kokeshi » rivalisent de talents. Les plus talentueux sont récompensés par des institutions régionales ou nationales et un prix est attribué par le premier ministre du japon lui-même.

Les poupées Kokeshi sont devenues un phénomène de mode incontournable, notamment grâce aux Kimmidoll, une variante de la poupée et de nombreuses boutiques spécialisées en vendent. Elles décorent à merveille une chambre sur une étagère par exemple. On compte plus d'une centaine de types de poupées kokeshi. Ces jolies poupées japonaises en bois sont offertes, dans la tradition japonaise, pour déclarer son amitié ou son amour à la personne qui le reçoit. Elles font une excellente idée cadeau et une déco zen et design dans une chambre ou même un salon.

Vous trouverez ces poupées dans notre boutique en ligne. Toute l'équipe du blog en profite pour vous souhaiter une excellente année 2017!